Las bellas artes son las disciplinas con las que la tradición académica de Occidente ha definido sus principales formas de realización artística o representación estética.
Historia de la Pintura al Pastel
La pintura al pastel ha sido empleada en forma de barra desde el siglo XV, pero no fue hasta el siglo XVIII cuando el pastel fue visto cómo un medio artístico serio. La edad de oro de la pintura al pastel se asocia con el nombre de Rosalba Carriera (1674-1757), cuyos elegantes retratos fueron tremendamente populares en París. Muchos otros artistas utilizaron este medio, incluidos los famosos Edgar Degas, Edouard Manet y Lautrec, por nombrar algunos. En el siglo XIX, debido a la alta demanda de los artistas, surgieron empresas fabricantes de una amplia selección de pasteles duros y blandos que varían en intensidad y valor de color.
La pintura al pastel tiene un linaje fascinante y es la fuente de muchas obras de arte únicas, conmovedoras y hermosas. Ha sido empleado por algunos de los artistas más famosos de todos los tiempos. La variedad infinita de colores en la gama Pastel abarca desde suave y sutil hasta audaz y brillante, según la Pastel Society of America.
Orígenes de la Pintura al Pastel
Los primeros pasteles no aparecieron hasta finales del siglo XVII. Sin embargo, los dibujantes habían estado utilizando medios de color seco, tanto las gredas naturales, extraídas de la tierra y cortadas en barras, como las de tiza, hechas mediante la mezcla de pigmentos con aglutinantes en una pasta que se podía enrollar en bastones. La invención del pastel se atribuye al pintor alemán Johaim Thiele.
Inicialmente, la pintura al pastel solo estaba disponible en rojo, negro y blanco, imitando las tizas y gredas naturales, lo que era muy distinto al panorama actual. Con el tiempo, la gama de colores disponibles se expandió y las técnicas evolucionaron.
Transición del Dibujo a la Pintura Pictórica
Una obra que ilustra perfectamente la transición entre la técnica de pintura al pastel cómo herramienta de dibujo y el uso del pastel como técnica pictórica completa es el "Retrato de un hombre barbudo, medio cuerpo, vestido con un doblete recortado", realizado alrededor de 1575 por L’Anonyme Lécurieux. Este artista francés usó solo tiza negra, negra azulosa y roja, creando la ilusión de una paleta mucho más amplia. En esta obra, se pueden observar sugerencias de toques de color marrón en el bigote del modelo, un rubor rosado en sus mejillas, e incluso un claro color azul grisáceo para sus ojos.
Popularización de la Técnica Pictórica del Pastel
En el siglo XVII, habían surgido varios grandes pastelistas, entre ellos Joseph Vivien, Jean Marc Nattier y Charles Antoine Copeyl, quienes transformaron la técnica de pintura al pastel en una forma reconocida de pintura que pronto rivalizaría con la pintura al óleo tradicional como medio.
Para la década de 1650, comenzó a verse un enfoque menos gráfico y más "pictórico" en la obra de Robert Nanteuil, un artista activo en París. Sus retratos en colores pastel a menudo servían de base para las impresiones al óleo. Sin embargo, en obras como el "Retrato de Monseñor Louis Doni d'Attichy" (1663), Nanteuil aplicó su modesta gama de colores pastel de forma muy parecida al estilo de las pinturas al óleo, pero con una nueva riqueza y variedad de toques.
A diferencia del retrato anterior de L’Anonyme Lécurieux, en la obra de Nanteuil el medio cubre completamente el soporte de papel; la realidad de la hoja es tragada por la ficción de la semejanza. Este cambio puede reflejar la receta cuidadosamente guardada de Nanteuil para las barras de pintura al pastel, proporcionando un color más cremoso y más esparcible. Esta obra también apunta a un cambio en su uso del medio, de una aplicación esencialmente lineal a una más gruesa y suave, en la que el artista usó las yemas de sus dedos para hacer manchas con la barra de pastel, una práctica conocida como "endulzante".
Edad de Oro de la Pintura al Pastel
Fue en el siglo XVIII cuando la pintura al pastel alcanzó su edad de oro. Maurice Quentin de La Tour, Jean-Baptiste Perroneau, Chardin, Francois Boucher, Greuze, Mesdames Labille-Guiard y Vigée Lebrun estuvieron entre los que destacaron el arte de la pintura al pastel en todo el mundo. Solo en París había al menos 200 grandes artistas.
Rosalba Carriera: Pionera del Pastel
Rosalba Carriera, la artista veneciana que dominó este medio a principios del siglo XVIII. Muchos de sus pasteles fueron hechos especialmente para ella por su colorista en Nápoles, quien experimentó con el uso de conchas de mar en polvo fino como portador del pigmento puro.
Las conchas de mar molidas han sido empleadas por siglos como cargas para tizas, acuarelas y temples. Al molerlas se obtiene un carbonato de calcio muy fino que es perfecto para técnicas delicadas. En Japón, por ejemplo, ha sido empleado este tipo de carbonato por varios siglos en distintas tintas. Hasta la fecha sigue siendo utilizado en las tintas tradicionales. Hoy en día se emplean más otros tipos de cargas. Gracias a la industria actual los carbonatos pueden molerse muy finos aún si su origen es distinto al marino.
La Técnica de Carriera
Carriera desarrolló técnicas de pintura al pastel distintas a las que hoy en día son más empleadas. En su época, la pintura al pastel era un medio nuevo, por lo tanto, no existía aún una forma "correcta de trabajarlo", lo cual era una gran ventaja para la creatividad. Por ello, la artista experimentó distintos sistemas para transmitir la textura de una mejilla, el lustre de un collar de perlas o la suavidad de una capa de terciopero. Por ejemplo, podía aplicar una capa de pastel humedecido con un pincel para establecer un tono de piel base y luego volver a visitar el área con pastel seco y en polvo para sugerir la superficie suave de la mejilla de una niña. La prodigiosa habilidad y velocidad de Carriera, así como su habilidad para embellecer y estilizar a sus retratados, la convirtió en la retratista favorita de los aristócratas ingleses que visitaban Venecia.
Maurice-Quentin de La Tour: El Peintre du Roi
En París, el trabajo de Carriera tuvo un éxito enorme y ejerció una poderosa influencia en los pastelistas franceses de la siguiente generación. Entre ellos sobresalía Maurice-Quentin de La Tour, cuyos pasteles exhiben un naturalismo asombroso. La Tour desarrolló una práctica de retratos tremendamente exitosa mientras evitaba las pinturas al óleo. El hecho de que en 1750 fuera nombrado peintre du roi (pintor del rey) habla de la fuerte rivalidad en este momento entre los pasteles y las pinturas al óleo, así como del alto estatus del medio.
Con sus seis metros y medio de altura, el "Retrato de Gabriel Bernard de Rieux" (1739-41), magistrado parisino y heredero de una fortuna bancaria, es la pintura al pastel más grande del artista y, probablemente, el pastel más grande producido en el siglo XVIII. Creada a partir de más de una docena de hojas de papel y elaborada con una increíble variedad de técnicas, esta imagen compite con los retratos al óleo contemporáneos en todos los frentes: en riqueza y variedad de colores y texturas, detalles finos y acabados, pero sobre todo, en tamaño.
Otros Artistas Notables del Pastel
- John Russell: Obras como "Niño y Gato" (1791) y "El Vidente de Fortunas" (1790) demuestran tratamientos variados, desde tonos de pastel mojado para detalles pictóricos hasta líneas discontinuas de pigmento sin mezcla. En "El Vidente de Fortunas", el uso de papel azul y un fondo azul profundo, combinado con una vibrante paleta, exaltó el contraste y realzó los colores claros de los personajes principales.
- Odilon Redon: Este medio era uno de sus favoritos. Ya sea pintando retratos, naturalezas muertas o paisajes imaginados, Redon hizo que los pasteles se sintieran ricos y poderosos, actitudes que no siempre se asociaban con el medio en la usanza de artistas previos.
- Childe Hassam: Ilustradora de oficio, fue uno de los impresionistas norteamericanos más notables de fines del siglo XIX y principios del XX, y uno de los pastelistas estadounidenses más famosos. Expuso en la cuarta exposición final de la Society of Painters in Pastel en Nueva York en 1890. Su amigo Edgar Degas fue quien la inspiró a trabajar en pasteles y pintar retratos utilizando este medio, valorando su rapidez, facilidad de manipulación y ausencia de olor.
- William Merritt Chase: Trabajó en una variedad de medios, incluyendo óleo, pastel, acuarela y grabado. Fue uno de los primeros en dibujar realmente con colores pastel y usar trazos de color rotos, en lugar de mezclar los colores extensamente como hacían los primeros pastelistas.
- Edgar Degas: Es considerado el artista vanguardista más responsable de la transformación del pastel en un medio importante. Cuando comenzó a trabajar con pasteles, se utilizaron principalmente para retratos y, a menudo, como precursores para completar pinturas al óleo. Trabajó en pintura al pastel a lo largo de su carrera y en 1880 se convirtió en su principal medio. El artista a menudo lo combinaba con otros medios como la acuarela, el óleo y el monotipo, creando superficies ricas con una variedad de calidades de pintura aplicadas en capas complejas. Su obra "La Toilette (Mujer peinándose el pelo)" (ca. 1886) es un ejemplo notable.
Masificación de las Barras de Pintura al Pastel
Si bien la mayoría de los primeros practicantes ingleses de la técnica de pintura al pastel hubieran hecho sus propios colores, los pasteles preparados previamente estaban cada vez más disponibles. Dadas las numerosas complicaciones que conlleva el equilibrio de los ingredientes, este desarrollo fue fundamental para el aumento de la popularidad del medio. Para la década de 1730, los pasteles podían comprarse fácilmente en tiendas de Londres y en la mayoría de las principales ciudades europeas en una amplia gama de colores y medios tonos. Los pastelistas artesanos hicieron todo lo posible para obtener los mejores ejemplos, y se dice que Bernard Stoupan, de Lausana, Suiza, fue uno de los mejores.
Tipos de Pasteles en Barra y Fabricantes Importantes
Los pasteles se hacen en cuatro grados: muy suaves, suaves, semiduros o intermedios, y duros. En la mayoría de los casos, los blandos son los preferidos y se utilizan generalmente en la primera capa como base o capas inferiores. Los pasteles más duros son ideales para hacer detalles delicados en los que un pastel suave podría ser demasiado tosco. Artistas como Quentin de la Tour, Chardin y Rosalba Carriera contribuyeron a su notoriedad. Durante un viaje a Francia entre 1720 y 1726, Rosalba mencionó en su correspondencia que prefería los pasteles que se ofrecían en París.
La Maison du Pastel
El taller antiguo de "La Maison du Pastel" existe desde 1720. En 1760, se encontraba en Versalles, hasta que se trasladó a la rue Saint-Honoré en París. En 1766, se estableció en la rue du Grenier St Lazare en el "Marais", el área de París dedicada en ese momento al comercio, donde permaneció hasta 1912.
Henri Roché, un ingeniero químico, biólogo y medallista de oro de la "Société de Pharmacie" y de la "École de Pharmacie de Paris", se hizo cargo de "La Maison du Pastel" en 1878. Desarrolló contactos regulares con Legros y Whistler en Londres, y luego con aquellos como Degas y Chéret. Roché desarrolló en esa época aproximadamente 100 colores y una gama de alrededor de 500 colores para 1887. A partir de entonces, "La Maison du Pastel" experimentó un crecimiento continuo, y los pasteles de Roché se hicieron famosos en todo el mundo por sus cualidades específicas.
Pasteles GIRAULT
Los pasteles GIRAULT fueron reconocidos rápidamente por sus cualidades, que rara vez se encuentran unidas en un solo producto. Artistas como Quentin de la Tour participaron grandemente en la notoriedad de Pastels GIRAULT. Apreciado en todo el mundo desde muy temprano, era natural que Pasteles Girault recibiera medallas en las Exposiciones Universales de París.
El Palacio de Bellas Artes de Chile
En 1879, el escultor José Miguel Blanco publicó un artículo en la Revista Chilena en el que, inspirado por el modelo europeo, observaba la necesidad de crear un Museo de Bellas Artes en Chile, a fin de recopilar obras que se encontraban dispersas en diversos edificios institucionales. Su primer director fue el pintor Juan Mochi.
Sin embargo, las actividades del Museo no lograban coordinarse con las del Congreso, por lo que en 1887, el Museo Nacional de Pinturas debió trasladarse al "Partenón", edificio ubicado en la Quinta Normal de Agricultura, construido por la Unión Artística, sociedad fundada por Pedro Lira y Luis Dávila.
Como parte de las celebraciones del Centenario de Chile, el Palacio de Bellas Artes, que albergaba al Museo y a la Escuela, se inauguró el 21 de septiembre de 1910.
Diseño y Arquitectura del Palacio
En 1905, el diseño del Palacio de Bellas Artes fue encargado al arquitecto chileno Emilio Jéquier (1866-1949). Hijo de padres franceses, nació en Santiago y emigró muy joven a Francia. Se graduó en la Escuela Especial de Arquitectura de París (1886) y fue alumno de la Escuela Nacional de Bellas Artes de la misma ciudad (1888-1889).
Desde un principio a este edificio se le llamó Palacio de Bellas Artes. En su ornamentación, Jéquier buscó proyectar refinamiento, grandeza y progreso, valores con los que se pretendía mostrar desarrollo artístico y cultural. Siguiendo la huella de arquitectos franceses de la segunda mitad del siglo XIX, el arquitecto usó libre e imaginativamente elementos del lenguaje clásico como pilastras, tímpanos, guirnaldas y arcos, todo ello al servicio de lo que para entonces era una idea moderna de museo.
El altorrelieve del frontón del Museo, obra ejecutada por el escultor chileno Guillermo Córdova, representa una alegoría a las Bellas Artes. La cúpula de vidrio que corona el hall central del Museo fue diseñada y construida en Bélgica, encargada a la Compagnie Centrale de Construction de Haine-Saint-Pierre, y traída a Chile el año 1907. En el hall central, sobre el balcón poniente del segundo piso, se ubicó un altorrelieve que representa a dos ángeles sosteniendo un escudo. La obra se realizó luego que la original resultara gravemente dañada en el terremoto de 1985.
Modificaciones y Conservación
A lo largo de su historia, la arquitectura del edificio ha sufrido varias modificaciones. En 1938, se construyó un anfiteatro en el costado Norte, obra del arquitecto Eduardo Secchi, que contaba con graderías descubiertas, tenía una capacidad para 200 personas e inicialmente, estaba destinado para realizar funciones de teatro infantil. Durante la dirección de Nemesio Antúnez, entre 1970 y 1971, se construyó la Sala Matta, bautizada en honor a Roberto Matta, ubicada en la planta del subsuelo. Para su construcción hubo que levantar completamente la losa del Hall Central.
Con motivo del Centenario de la fundación del Museo, en 1980 se remodeló la plazoleta de acceso y se reinstaló la escultura de Rebeca Matte que alude al mito de Ícaro y Dédalo, llamada Unidos en la Gloria y en la Muerte. La escultura se había mantenido en préstamo por años al Museo Aeronáutico y fue donada en 1930 por Pedro Iñiguez, marido de la artista, un año después de su muerte. En 2002 se instaura el proyecto Museo sin muros. El terremoto de febrero de 2010 no produjo daños significativos en el edificio gracias a los eficaces trabajos estructurales realizados después del terremoto de 1985. El museo no debió cerrar sus puertas al público y, sin modificar su agenda, prosiguió con los preparativos de la exposición Del pasado al presente.
Definición y Clasificación de las Bellas Artes
Se conoce como bellas artes a las siete formas de realización artística o de representación artística de la belleza. Las bellas artes son las disciplinas con las que la tradición académica de Occidente ha definido sus principales formas de realización artística o representación estética. A lo largo de la historia se han utilizado diversos métodos de clasificación de las artes. Hacia el siglo XIX, Friedrich Hegel (1770-1831) reconocía cinco formas de las bellas artes: la arquitectura, la escultura, la pintura, la música y la poesía.
Evolución del Concepto de Bellas Artes
En el siglo XVII apareció el término "bellas artes" para referirse a prácticas artísticas diferentes y más valoradas que los oficios artesanales. Mientras los artistas cultivaban la belleza por amor a lo bello, los artesanos hacían objetos con propósitos utilitarios. El término se popularizó en el siglo XVII para referirse a las principales artes y el buen uso de la técnica. El primer libro que se conoce que las clasifica es Les Beaux-Arts réduits à un même principe (Las bellas artes, 1746) de Charles Batteux, quien pretendió unificar las numerosas teorías sobre belleza y gusto que existían en esa época. Con el tiempo, la lista sufriría cambios según los distintos autores que añadirían o quitarían artes a esta lista (se eliminó la elocuencia).
En el siglo XX se incorporó el cine (el séptimo arte) y posteriormente las artes mediáticas (radio y televisión), la narrativa gráfica o el arte secuencial (cómic e historieta) y, más recientemente, las artes digitales o electrónicas. Las bellas artes han sido consideradas formas trascendentales y elevadas de la creación humana y fundamentos centrales para la llamada alta cultura, que distingue entre un arte de élite y un arte popular o de masas. En este sentido, el concepto de bellas artes es culturalmente excluyente. El arte contemporáneo ha cuestionado ese concepto y hoy en día el arte se contempla desde perspectivas más plurales y diversas. Actualmente, la noción de bellas artes es considerada eurocentrista o limitada y ha entrado en desuso fuera de ámbitos académicos específicos.
Características Fundamentales
En la concepción universalista que dio lugar a la noción de bellas artes, las obras de arte debían cumplir con ciertos criterios:
- Aspiración a la belleza: Las obras buscaban la expresión estética ideal.
- Universalidad: Debían ser apreciables por toda la humanidad, trascendiendo barreras culturales.
- Durabilidad: Las obras deberían perdurar en el tiempo y poder comunicar su contenido a las generaciones venideras.
Disciplinas Artísticas Tradicionales y Nuevas Inclusiones
Las artes son un fenómeno social, un medio de comunicación, una necesidad del ser humano de expresarse y comunicarse mediante formas, colores, sonidos y movimientos; el arte es un producto o acto creativo. Los griegos antiguos dividían las artes en artes superiores y artes menores. Las artes superiores eran aquellas que permitían gozar las obras por medio de los sentidos superiores (vista y oído), con los que no hace falta entrar en contacto físico con el objeto observado. Las bellas artes eran seis: arquitectura, escultura, pintura, música, declamación y danza. La declamación incluye la poesía, y con la música se incluye el teatro (actualmente parte de la Literatura). Esa es la razón por la que el cine se considera en la actualidad el séptimo arte.
Las disciplinas artísticas tradicionales abarcan una amplia gama de formas de expresión creativa que han sido valoradas y practicadas a lo largo de la historia. Estas disciplinas han sido fundamentales en el desarrollo cultural de diferentes sociedades y han dejado un legado duradero en el mundo del arte.
- Pintura: Implica la aplicación de pigmentos sobre una superficie.
- Escultura: Creación de formas tridimensionales con diversos materiales.
- Arquitectura: Diseño y construcción de edificios y espacios, combinando estética y funcionalidad.
- Música: Combinación de sonidos y ritmos para transmitir emociones.
- Danza: Movimientos corporales rítmicos y coreografiados, con raíces culturales, narrativas o estéticas.
- Teatro: Forma de arte que combina actuación, escenografía, música y diálogo para representaciones en vivo.
- Literatura: Expresión artística a través de la escritura, explorando ideas y experiencias humanas.
Adicionalmente, se han incorporado nuevas formas de arte:
- Cine o cinematografía: Nacido a finales del siglo XIX, es un arte muy popular, consistente en la proyección de fotografías en movimiento para narrar historias.
- Fotografía: Creado a mediados del siglo XIX, es el arte de la captación de imágenes de la realidad en papel, usando una cámara.
- Cómic: Considerado el "Noveno Arte", narra historias mediante secuencias de dibujos y textos distribuidos en viñetas.
- Videojuegos: En 2011 se extendió la protección artística a videojuegos, clasificándolos como un arte legal.
- Origami: Durante siglos, el origami o arte del plegado del papel, se mantuvo en el ámbito de las prácticas artesanales. Sin embargo, en los últimos 50 años, un renovado interés por comprender el comportamiento de la materia plegable, tanto a nivel artístico como científico, ha dado impulso a una generación de artistas cuyas obras merecen ubicarse a la altura de las bellas artes. Artistas como Robert J. Lang, Erik y Martin Demaine, Sipho Mabona, Giang Dinh y otros, ejemplifican cómo el origami continúa desafiando los límites de un arte cada vez más comprometido con su tiempo.