Ciertas ilusiones deben mantenerse para que la civilización continúe. Por ejemplo, la moneda moderna no tiene valor intrínseco; mantenemos la ilusión del valor del dinero para estructurar la sociedad de manera confiable. El lenguaje también es abstracto: los sonidos y símbolos significan lo que acordamos que significan. El arte tipográfico es una forma en que los artistas exploran estas abstracciones inherentes a nuestra cultura, desafiando las ideas aceptadas sobre lo que es significativo al presentar el lenguaje escrito fuera de su contexto habitual.
El surgimiento de la tipografía en el arte modernista
Desde el Cubismo hasta el Dadaísmo, el Arte Conceptual y el Pop Art, el arte tipográfico ha investigado nuestro uso de símbolos escritos durante más de 100 años. Uno de los primeros ejemplos del arte tipográfico modernista es Bodegón con asiento de rejilla (1912) de Pablo Picasso. Esta obra icónica, que marca el inicio del Cubismo Sintético, evoca la superficie de una mesa de café e incluye elementos como un vaso, una pipa y un periódico.
Dado que la imagen alude a un periódico, Picasso podría haber querido referirse a Le Journal, pero el texto también podría ser un guiño juguetón a juegos visuales. La falta de claridad en la interpretación es, en sí misma, una declaración sobre cómo los medios de comunicación tienden a confundir el significado y la intención.
Dadaísmo y la ruptura del absurdo
Inmediatamente después del auge del Cubismo surgieron los Dadaístas, un grupo dedicado a confrontar el absurdo de su civilización. Francis Picabia, pintor realista, poeta y tipógrafo, fue uno de los exponentes más famosos en utilizar referencias tipográficas abstractas. Un ejemplo clave es su portada para el periódico Dadaphone (1920), titulada «¡Dama!».
La pieza incluye una espiral y varias áreas de texto que incluyen frases enigmáticas como: «Carne que ha bebido demasiado es una ternera napolitana» y «las manos en la mierda canónica». El significado de las palabras es tan poco claro como la naturaleza de la espiral, cuestionando si se trata de un símbolo de progreso mecánico, desesperación o un simple juego visual.
La recontextualización de símbolos culturales
En los años 50, Jasper Johns alcanzó prominencia por su uso abstracto de símbolos culturales icónicos. Johns apropiaba formas como la bandera estadounidense o los números arábigos, desvinculándolos de su sentido cultural para tratarlos como formas abstractas centradas en cualidades como la textura, la dimensionalidad y la cualidad pictórica.
Esta influencia se trasladó a otros artistas:
- Andy Warhol: En sus Latas de sopa Campbell (1962), utilizó el texto no para comunicar, sino como una marca comercial integrada en una estética producida mecánicamente.
- Joseph Kosuth: Con su obra Una y Tres Sillas (1965), presentó una fotografía, un objeto real y una descripción escrita, sugiriendo que la tipografía es una herramienta para definir la «idea» de un objeto más que el objeto mismo.
Historia de la Tipografía
La tipografía como desafío a la comunicación
Hoy en día, el uso abstracto de la tipografía en el arte participa en una misión de cuestionamiento constante. A través de ella, los artistas no solo revisan ideales culturales particulares, sino que ponen en duda la noción misma de comunicación. A medida que nuestras sociedades se vuelven más complejas, nuestro uso de la tipografía a menudo complica la comprensión para las masas, mientras que los espectadores que han aprendido a traducir estos mensajes ocultos descubren secretos a plena vista.