En el análisis de la película "Joker", se aborda la compleja figura del personaje interpretado por Joaquín Phoenix, examinándolo a través de la lente de la escatología cristiana y la tradición cultural occidental. La película, estrenada en 2019, se erige como un punto de partida para reflexionar sobre la naturaleza del bien y el mal, y cómo lo negativo, en sus diversas manifestaciones, parece ser un catalizador indispensable para la comprensión y apreciación de lo positivo.
La Dualidad del Bien y el Mal: Una Perspectiva Literaria y Filosófica
La reflexión sobre la importancia de la oscuridad y lo negativo para dar sentido a lo positivo se remonta a obras literarias clásicas. Se compara la estructura de la narrativa cinematográfica con la Divina Comedia de Dante, sugiriendo que sin el Infierno y el Purgatorio, la obra perdería su carácter "divino". Este argumento se extiende a la idea de que, desde un punto de vista literario, sin la presencia de lo negativo, lo positivo carecería de impacto o significado. Esta perspectiva se aplica tanto a personajes antagonistas en películas como a la propia experiencia humana.
Incluso en obras que carecen de antagonistas explícitos, como Crecer de golpe de Sergio Renán, la percepción de que "todo se vivía malamente" subraya la idea de que la ausencia de conflicto o negatividad no garantiza una experiencia positiva. A nivel moral, se plantea la necesidad de confrontar y reconocer nuestras "sombras" y aspectos oscuros para que las acciones positivas adquieran un significado profundo en el contexto general de la existencia. La pérdida, el desencanto, la desilusión, la traición, la muerte y el crimen, parecen ser elementos que, lamentablemente, han impulsado gran parte de la creación artística y la propia experiencia vital. En síntesis, parece que sin el Mal, el Bien perdería su sentido.
Joker: Un Estudio sobre la Moralidad y la Identidad
Es precisamente esta intrincada relación entre el bien y el mal lo que impulsa el análisis de Joker, la película de Todd Phillips, galardonada con el León de Oro en el Festival de Venecia. Se enfatiza la importancia de ver la película en su versión original en inglés para captar la profundidad de la angustia transmitida por la interpretación vocal de Joaquin Phoenix, especialmente en la representación de la risa convulsiva de Arthur Fleck. Asimismo, se desaconseja el uso del término "El Guasón", considerándolo una traducción poco afortunada y innecesaria del personaje.
La película se aborda sin revelar detalles cruciales de la trama, reconociendo que el espectador paga por presenciar la manifestación del Mal, ya sea para observar su eventual derrota o, incluso, para experimentar una "vergonzosa satisfacción" ante su aparente triunfo. Se postula que la fascinación por el Infierno impulsa el interés por el Paraíso, y que, en el caso de Joker, muchos espectadores esperaban ver la "belleza plástica del asesinato" desencadenarse, similar a la expectativa de un Hamlet vengador.
Se argumenta que Batman, como héroe oscuro, necesita de un antagonista como Joker que "le haga cosquillas a nuestras zonas tenebrosas", generando el deseo de ver al personaje cometer actos violentos desde la seguridad moral del asiento del cine. Joker se erige así como un "héroe oscuro", no exento de cierta compasión, pero representando la "anti-alma" que desafía las normas sociales. La película invita a reflexionar sobre la capacidad humana de albergar tanto el Bien como el Mal, y la posibilidad de desear o disfrutar de la manifestación de este último, incluso de forma estética y vicaria.
JOKER, PSICÓLOGA ANALIZA al PERSONAJE
La Metáfora del Mal y su Impacto en la Sociedad
La película explora cómo el deseo de maldad puede transformarse en el Mal mismo, y cómo la acción y la voluntad se entrelazan en una lógica moral compleja. Se plantea la pregunta de si el Mal, incluso en forma de ficción, ejerce una atracción o si el universo mismo lo contiene como un componente determinante de nuestras historias. La hermenéutica moderna, que busca la univocidad, se enfrenta a la paradoja de un Mal triunfante que forma parte del tejido social y cultural. La violencia, en este contexto, puede llegar a ser interpretada como una forma de justicia, pagada y hasta disfrutada por el espectador.
La escritura, como "letra", enajena el espíritu, permitiendo que el deseo del Mal se manifieste. Se recurre al texto judeocristiano para argumentar que la presencia de la serpiente (el Mal) es esencial para la narrativa bíblica, actuando como catalizador del Bien. La metáfora religiosa se extiende a la idea de que el sufrimiento y la transformación son necesarios para alcanzar un estado superior, similar a cómo el Infierno precede al Paraíso.
La película presenta a Joker como un ser que, tras ser "molido", "exprimido" y "despedazado", descubre su naturaleza definitiva en su sangre vertida en sacrificio. Su postura abierta en cruz sobre el automóvil del Orden y la Justicia simboliza esta transformación. Arthur Fleck talla su máscara con su propia sangre, y la película narra la metamorfosis de un superviviente en un "muerto viviente", donde la "larva" (máscara) se impone sobre la persona. Gotham City, al igual que el personaje, se transforma, sumida en una "mascarada" que refleja la locura y la muerte, afectando el tejido social dentro y fuera del cine.
Joker: El Comodín y la Construcción de la Identidad Social
El Joker es presentado como el "comodín" de la baraja, un bufón que representa el caos y, a la vez, un nuevo orden. Su figura descompone y restablece el orden según la voluntad ajena. La película invita a considerar si la sociedad se construye sobre, desde o en el individuo, inclinándose por la idea de que el individuo produce la sociedad, tejiendo su propio "capullo larval" y preformando su máscara para la convivencia.
En esta convivencia, los seres humanos viven paradigmas sociales, esquemas compartidos de conducta. La figura de Thomas Wayne, padre de Bruce, ejemplifica la idea del "rescate" de los marginales, a quienes califica de "payasos", una figura que se acerca a la dimensión psicótica de Arthur Fleck. Este último, en su rol de payaso burlón, evoca al arlequín de la Commedia dell’arte, con su gestualidad, pobreza, marginalidad y una paleta de colores que remite a este personaje.
El "burlón muerto de hambre", ingenuo y sensual, se ve atado a una realidad que se desmorona. Cada golpe recibido parece ser la antesala de una explosión, pero el personaje se cimienta, no la persona, sino la máscara. La persona se destruye para que emerja la máscara, una máscara que, en el caso de Joker, no cubre nada, representando la ausencia de un "nadie" detrás, sino la representación de "todos". La película se describe como "bellamente tóxica", un cine que "envenena el alma" con la "verdad de nuestra inconfesable tiniebla".
Folie à Deux: La Locura Compartida y la Dinámica de Poder
La secuela, Joker: Folie à Deux, introduce el concepto psicológico de la folie à deux, o trastorno psicótico compartido, donde dos o más personas comparten un mismo delirio. La película explora cómo esta dinámica se manifiesta en relaciones estrechas, donde una persona dominante con delirios psicóticos puede "contagiar" a otra. En la película, Arthur Fleck y Lee Quinzel (Harley Quinn) desarrollan una relación de codependencia patológica, alimentando sus respectivas psicosis en un círculo vicioso.
La película comienza con una animación donde la sombra de Arthur se adueña de la escena, representando su lado oscuro que se impone sobre su fragilidad. Esta sombra simboliza el aspecto oscuro que todos poseemos pero que la mayoría contiene gracias a su conexión con la realidad y el respeto por las normas sociales. La idea de que la psicosis compartida puede ser "contagiosa" crea una dinámica entre Joker y Harley Quinn, sugiriendo que la enfermedad mental no solo aísla, sino que también conecta a individuos en una espiral descendente de destrucción. Dentro del psiquiátrico, se crea una atmósfera de complicidad, elevando a Arthur a la figura de héroe del pabellón.
La Psicosis Compartida como Metáfora de las Relaciones Tóxicas
La folie à deux trasciende la clínica para convertirse en una metáfora del poder de la sugestión y la influencia de las relaciones tóxicas. La relación entre Joker y Lee se caracteriza por una codependencia patológica, donde ambos se nutren de las inestabilidades del otro, compartiendo una percepción distorsionada de la realidad, un espacio mental de sufrimiento y caos interior. Esto invita a reflexionar sobre cómo las personas vulnerables pueden ser manipuladas e involucradas en dinámicas de violencia y delirio.
Ambos personajes encuentran en el otro un sentido de pertenencia, sellado en un pacto implícito, patológico y disfuncional. Sus identidades se fusionan, distorsionando la percepción de la realidad mutuamente. En una visión psicodinámica, esta alternancia y reflejo activan fenómenos proyectivos, donde ansiedades, miedos y delirios son transferidos. Las acciones disfuncionales, violentas y delirantes encuentran justificación dentro de este pacto, ya que ambos sufren de una fragilidad psíquica que solo les permite ser fuertes juntos. Joker representa la fuerza, el delirio de omnipotencia y la posibilidad de destruir una sociedad alienante. Cuando Arthur recupera un contacto con la realidad, rompe el pacto, y Lee no acepta esta "traición", replicando la humillación y el engaño sufridos por parte de su madre.
Lee se enamora de una faceta idealizada de Arthur, una parte de él que la hace sentir omnipotente. La película sugiere que la locura no es solo individual, sino una "locura social" que alimenta la inestabilidad mental de los más vulnerables. Desde una perspectiva psicológica, se explora la cordura en una sociedad deshumanizada, con un sistema de apoyo insuficiente para los trastornos mentales, una sociedad que margina y desindividualiza a los más frágiles, propiciando el delirio psicótico.
La Ambigüedad Moral y la Psique Perturbada en Joker
Clínicamente, Joker no es solo una figura violenta, sino un hombre que sufre profundamente. Su "locura" puede interpretarse como un intento desesperado de encontrar significado en una vida vacía y dolorosa, una forma de distanciarse de la realidad para soportar la soledad interior. Este fenómeno refleja la disonancia cognitiva, donde las necesidades de pertenencia y validación chocan con una realidad hostil y alienante.
Arthur vive en una continua ambivalencia entre un Yo Falso, socialmente aceptado, y un Yo Verdadero que no encuentra cabida. Esta fractura interior impide la integración de dos aspectos del yo, generando una parte "buena" (Arthur) y una parte "mala" (Joker). Durante el juicio, se aborda el dolor compartido de la diversidad y la exigencia social de conformarse, incluso a costa de la autenticidad.
Joker: Folie à Deux y la Expresión Interior a Través de la Música
Joker: Folie à Deux se presenta como un musical, pero su enfoque difiere del tradicional de Hollywood. La música en la película trasciende la mera expresión artística de Lady Gaga para convertirse en la manifestación de la emoción más gratificante: el amor. Los personajes, descuidados y frágiles, experimentan la sensación de pertenencia y contacto íntimo a través de la música. Joker siente que "alguien le necesita", y el amor se convierte en la fuerza que trasciende cualquier pena.
Los personajes comparten una "música interior", una melodía personal que da ritmo a sus vidas. Esta música interna, al ser compartida, genera felicidad. La música se convierte en una herramienta terapéutica en el penitenciario de Arkham, permitiendo a Joker expresar sus emociones, a veces románticas, a veces jazzísticas, a veces dramáticas. La banda sonora sugiere que la vida misma es un entretenimiento, un espectáculo, similar al ambiente del psiquiátrico.
En Arkham, Arthur vuelve a contactar con la realidad, admitiendo quién es y renegando de ciertas partes de sí mismo en función de las expectativas sociales. Este proceso culmina en la implosión de su personalidad, similar a la explosión del tribunal. La película nos transporta a la mente enferma del protagonista, haciéndonos partícipes de sus delirios visuales y auditivos, y sumergiéndonos en las montañas rusas de las emociones humanas: omnipotencia y fragilidad, amor y muerte.
Símbolos y Curiosidades en Joker: Folie à Deux
La película, al igual que su predecesora, está cargada de símbolos y presenta una estructura narrativa circular. La risa de Arthur, característica de su ansiedad y miedo, contrasta con la tristeza representada por la lluvia, sugiriendo que el terror proviene del interior mientras la melancolía invade desde fuera. La escalinata es un símbolo elocuente, representando el ascenso final del protagonista a un encuentro con su amor, quien, sin embargo, lo abandonará. Harley está enamorada de Joker, no de Arthur, rompiendo el pacto delirante.
La construcción de una montaña a partir de una colina simboliza un proyecto absurdo e irreal. El juicio, parte central de la película, adopta un significado simbólico de las diferentes facetas del personaje, juzgando el lado oscuro que la sociedad rechaza. La secuela, al carecer de la acción intensa de la primera película, podría interpretarse como un movimiento audaz de los autores. La película proyecta al espectador en la mente enferma del protagonista, haciéndole partícipe de sus delirios y transportándolo a las emociones más devastadoras. El amor tóxico de los protagonistas revela la experiencia de dos personas que, buscando curar las heridas de su "niño interior", se ven abrumadas por un sentimiento arrollador.
Orígenes y Evolución del Joker en los Cómics
El personaje de Joker, catalogado como uno de los mejores villanos de las historietas, ha evolucionado a lo largo de décadas, apareciendo en diversas adaptaciones. Sus orígenes son imprecisos, pero una versión señala a Bill Finger inspirado por Gwynplaine de la película El hombre que ríe (1928). Bob Kane, co-creador, buscaba un archienemigo exótico y siniestro, comparable al Profesor Moriarty. La incorporación de un sentido del humor característico se debió a la búsqueda de un personaje visualmente emocionante y con contradicciones.
La primera aparición de Joker fue en Batman n.° 1 (1940), inicialmente concebido como un asesino en serie implacable. Con el tiempo, y tras la desaprobación pública del contenido de los cómics, su personalidad se tornó más bromista, aunque guionistas como Dennis O'Neil y Neal Adams lo devolvieron a sus raíces maníacas y homicidas en la década de 1970. Joker incluso protagonizó su propia serie de cómics, The Joker, explorando sus vivencias con otros villanos.
La década de 1980 marcó un resurgimiento del personaje, con relatos centrados en su locura. La novela gráfica The Killing Joke (1988) retomó sus orígenes, presentándolo como un comediante frustrado cuya transformación en Joker se debió a un accidente con químicos tras un evento trágico. Harley Quinn, su aliada, apareció por primera vez en la serie animada de 1992, desarrollando una relación de atracción romántica y abusiva.
En las últimas décadas, el personaje ha seguido evolucionando, con narrativas que exploran su inmortalidad aparente, su obsesión con Batman y su impacto en la trama. Su atuendo característico, compuesto por un traje morado y otros elementos distintivos, se ha mantenido como un símbolo visual del personaje. La relación entre Joker y Batman se compara a menudo con el yin y yang, representando la dualidad del bien y el mal.
Interpretaciones Cinematográficas y Filosóficas
La película de Todd Phillips (2019) busca que el espectador comprenda al personaje de Joker, sugiriendo que las circunstancias extremas (abuso, abandono, medicación, fracaso social) pueden llevar a cualquier persona a un estado similar. El final de la película, y su epílogo, aunque reimaginan al personaje, son fieles a su esencia. La película presenta el caos y la violencia como una respuesta al abandono y la desesperación, contrastando la elección racional del caos por parte de masas descontentas con la aparente predestinación de Arthur.
La película se alinea con el mensaje de La broma asesina de Alan Moore y Brian Bolland, sugiriendo que la locura está más cerca de lo que se piensa y que un "mal día" puede llevar a cualquiera a la desesperación. La empatía hacia Arthur Fleck, el personaje antes de convertirse plenamente en Joker, se logra al comprender su sufrimiento y el abandono por parte del sistema. La figura de Sophie, su imaginaria relación, añade una capa de complejidad al final, sembrando dudas razonables sobre su destino.
El epílogo en Arkham Asylum, años después de su "nacimiento criminal", reflexiona sobre su locura. La película cuestiona si Joker es simplemente un loco o si es consciente de sus actos, eligiendo comportarse de manera extrema. Al ser etiquetado como loco, gana la ventaja de lo inesperado. Sin embargo, en el epílogo, Joker trasciende la locura, eliminando cualquier código ético y convirtiéndose en algo único, una manifestación del "puro mal" que no teme ni tiene nada que perder.